Tempesta

Si può trasferire in gesto e movimento la scrittura così densa di racconto e di significato di quest’opera?

Questa la sfida dello spettacolo. Quantomai ardita perché il confronto è con un testo che ha un valore particolare e assoluto in tutta la produzione di Shakespeare. Si tratta della sua ultima opera ed è considerata come il suo testamento spirituale, un addio al teatro che non a caso presenta in scena un artefice di magie che, come aveva ben capito Strehler, allude ad un creatore di meraviglie teatrali. E proprio in questo caso il drammaturgo rinnova il suo linguaggio scenico, fornisce alla vicenda un andamento narrativo ed emotivo inconsueto, rinuncia ai continui spostamenti di luoghi e di figure, al fitto intreccio di azioni, ai salti temporali. Qui c’è un solo luogo, una sola storia, e un tempo unico, così come volevano le regole aristoteliche che per la prima volta lo scrittore si trova a osservare, rendendo un volontario ultimo omaggio all’idea più pura di teatro.

La creazione coreografica si confronta con questa nitidezza, con questa linearità creativa, ma Shakespeare apre comunque infinite suggestioni, e la danza può quindi consentirsi la libertà di scartare dal testo per raccontare in altro modo, può evocare in maniera diversa, per aprire spazi immaginativi inconsueti, pur restando sempre sulla traccia della narrazione originale.

Al centro non può non restare la storia di un padre e di una figlia, Prospero, il duca spodestato dal fratello Antonio, e Miranda che vive sull’isola da quando era così piccola da non avere altri ricordi se non quelli di quel luogo. Del conflitto tra i due uomini ci arriveranno immagini come da un remoto passato in bianco e nero, e poi il lungo racconto che il padre fa alla figlia, narrandole della sua nascita nobile e dell’arrivo in quello sperduto angolo del mondo, si trasformerà in calligrafia visiva, arrivando alla tempesta che farà approdare sull’isola Antonio, il suo alleato Re di Napoli e il figlio Ferdinando, scatenata da Prospero come se fosse un grande gioco realizzato per il compleanno di Miranda, affinché l’evento cambi il corso delle cose per tutti. In questa trascrizione gestuale e di movimento il solo essere che abita l’isola, Calibano, si moltiplica, diventa un’entità multipla e complessa, sembra nascere dalle onde del mare e a quelle ritornare. Mentre Ariel non tocca mai terra, continuamente risospinto dall’elemento di cui porta il nome.

Ma c’è un passaggio centrale dell’opera su cui questa trasposizione coreografica vuole mettere l’accento. Il progetto di Prospero, all’inizio, è un disegno di rivincita: intende ripristinare il suo potere e la sua autorità ai danni del fratello e dei suoi complici. Sono poche parole di Ariel, creatura non umana commossa dalla sofferenza dei naufraghi, a fargli cambiare idea, a fargli imboccare in maniera repentina la via del perdono, cancellando il rancore, spingendolo ad architettare le nozze della figlia con Ferdinando e a rinunciare ad ogni istinto conflittuale. È un punto spesso trascurato nella lettura dell’opera. Ed è invece lo snodo centrale di tutta la produzione shakespeariana. È come se il poeta volesse rinnegare le sue tragedie di vendetta e le concatenazioni di lutti, per lanciare un nuovo messaggio più umano e profondo. Così si scioglie la vicenda, nel segno della pietà, della comprensione tra gli individui, delineando attraverso i giovani un luminoso futuro, e con l’abbandono di quel luogo da parte di tutti coloro che l’hanno temporaneamente abitato. Mentre l’isola e Calibano torneranno a essere un magma fluttuante.

Antonio Audino – consulente critico