1 meter CLOSER

Parlando del processo creativo di 1 meter CLOSER è sicuramente un processo dettato dal periodo storico che stiamo vivendo.
Possiamo vederlo come una ricetta che esplode di creatività da parte dei danzatori, ma anche da alcuni limiti dovuti dalla distanza e dalla tecnicità.

Tutte le decisioni sono veloci e istantanee per il performer, ma studiate a fondo dai registi e dal compositore.

In un qualche modo si sono invertiti i tempi di realizzazione. Normalmente il coreografo ha molto tempo in studio per tornare sui suoi passi, modificare, fare cambiamenti, ma spesso c’è poco tempo per la regia generale del lavoro, la luce, il suono. In teatro questi elementi sono affrettati e dettati da tempi di montaggio tecnico sempre stretti, mentre grazie al video le dinamiche, la luce, i colori, il ritmo della musica, possono essere in continua evoluzione e cambiamento.

Il lavoro di regia e anche quello musicale è andato crescendo proprio durante le riprese con i danzatori, le quali invece sono state velocissime. Un paio di giorni a testa per ogni performer. L’ordine delle riprese era definito dalla distanza geografica delle case dei danzatori che si dovevano incontrare al Supermercato per scambiarsi la telecamera. I danzatori quindi non solo i performer del pezzo, ma anche i camera-man sotto la direzione di Valeria Civardi.

Tutto questo è stato possibile dal fatto che ho collaborato con Aterballetto in questi ultimi 2 anni su diversi e estremamente variati progetti.
Tra me e i danzatori c’è un forte “understanding” di come utilizzare il corpo e delle qualità che stavamo cercando.

Abbiamo lavorato soprattutto sull’astrazione del corpo. Io, come coreografo, credo che la complessità del materiale coreografico venga prodotta da una astrazione emotiva in un primo momento, il corpo si racconta nella sua potenzialità di espansione e restrizione. Questi due concetti sono sufficienti per produrre coreografia che abbia una potenza di messaggio e di complessità. L’emozione è qualcosa che avviene nel momento in cui tutti gli elementi che compongono un lavoro si incontrano: spazio, luce, design, suono. Solo in quel momento finale capiamo che il corpo allora si trasforma in un messaggio forte che vogliamo trasmettere in comune accordo, non è più l’emozione individuale del performer, ma è una emozione collettiva e quindi ha la forza del gruppo.

Con i danzatori abbiamo lavorato su 2 estremi: la delicatezza di una carezza e la violenza di un pugno. Penso che sia il riassunto di tutte le emozioni che stiamo vivendo in questo momento. Con ognuno di loro ho utilizzato un metodo diverso per inspirarli: alcuni funzionano molto bene tramite l’immagine, altri tramite testo scritto e altri ancora invece hanno il bisogno di essere guidati tramite un contatto più diretto che in questo caso poteva essere solo la video-conferenza.

Una fortuna sicuramente è il conoscersi, il capire di cosa si sta parlando e il fatto che la Compagnia Aterballetto è composta da 16 meravigliosi danzatori capitanati da Sveva Berti, la quale li rende forti tecnicamente, ma anche aperti mentalmente a una nuova forma di creatività. La direzione di Gigi Cristoforetti è dettata dall’apertura a nuove esperienze e nuovi format e quindi arrivati a questo momento gli ingredienti per produrre un cortometraggio per la danza erano tutti pronti. Il mio compito è stato solo saperli mischiare e dargli la mia visione emotiva ed estetica.

A differenza del lavoro in sala questa volta i danzatori non erano in grado di sapere cosa i colleghi stessero facendo, e nemmeno rendersi conto in quale posizione del pezzo fosse la loro “entrata”, questo invece di essere un limite mi ha permesso di conoscere meglio singolarmente ognuno di loro e avere un vero e proprio confronto “1 to 1”. Solo io, Valeria Civardi (co-regista) e Federico Bigonzetti (compositore) avevamo davanti agli occhi l’idea generale del lavoro e il puzzle completo di quello che desideravamo fosse poi il risultato.
Abbiamo quindi creato micro-particelle coreografiche che ci siamo poi divertiti componendo nell’editing del video, mentre allo stesso tempo Federico Bigonzetti lavorava sui mood.

Il lavoro infatti è suddiviso in 3 capitoli. Ci piace chiamarle “fasi”. Esattamente come le 3 fasi di cui tanto si sente parlare nel modello italiano di superamento di questo periodo.
Per noi queste tre fasi sono: “isolamento e restrizione”, “sguardo verso l’esterno” e infine “speranza e visione a un futuro diverso”.

Il rapporto con la telecamera vuole ricreare un rapporto con il pubblico rispetto alle 3 fasi sopra indicate: in un primo momento estraniante e di isolamento, poi il performer inizia a dirigere lo sguardo verso l’osservatore e infine ci osserviamo a vicenda.

È sicuramente stato un processo creativo in continuo sviluppo e tuttora che mancano pochi giorni alla “Prima Rai” continua ad evolversi e ad avere cambiamenti.
Ho avuto a fianco un team creativo meraviglioso che mi ha permesso di intraprendere questo nuovo viaggio in piena armonia e professionalità, apportando costantemente nuovi input e nuove idee per rendere i nostri 3 mood estremamente connessi alla forza dei performer dell’Aterballetto.

Essere presenti è importante in questo momento, perché l’arte è sempre stata in grado di modificarsi sulla base dei tempi che cambiano. Questa video creazione è un urlo di presenza in attesa di tornare nei nostri amati teatri con un pubblico ancora più forte e un messaggio di condivisone altrettanto contemporaneo. Per ora questo è il nostro “abbraccio virtuale” al mondo. 

Diego Tortelli
coreografo/regista